Documentariste au regard sans concession, Toshi Fujiwara s’est rendu fin avril 2011 dans les régions sinistrées autour de Fukushima. De ses 10 jours de tournage et d’entretiens découle No Man’s Zone, un témoignage poignant sur le quotidien des sinistrés restés sur leurs terres, mais également une réflexion sur la fin d’un monde, la fascination qu’elle crée et les images que l’on peut en transmettre.
Rencontre avec un cinéaste engagé.

Neon magazine : Pouvez-vous vous présenter ?
Toshi Fujiwara : Je m’appelle Toshi Fujiwara. Je suis cinéaste et je viens de faire un film, un documentaire sur la crise nucléaire à Fukushima. Ce n’est pas exactement un film sur la crise nucléaire, c’est plutôt sur les paysages autour de Fukushima et les gens qui y habitent ou qui y habitaient.

NM : Quelles étaient vos intentions au départ ?
TF : Quand je finis un film, j’oublie toujours ce qui se passe au début. (rires) Parce qu’il y a plein de choses qui se passent, le projet se transforme toujours.

NM : C’était aussi une de nos questions. Qu’est-ce qui a changé par rapport à l’idée de départ ?
TF : Tu te souviens de ce que j’ai écrit ? (NDLR : Toshi se tourne vers Valérie-Anne Christen, la productrice du film qui était avec nous au début de l’interview.)
Valérie-Anne Christen : Il avait écrit un long texte qui m’a interpellée. Je ne me rappelle pas en détail ce texte écrit en anglais mais ce qui m’a donné envie de lui donner un coup de main, c’est qu’il s’intéressait à ce qui se passait dans cette zone, aux gens qui y habitaient, aux gens qui y travaillaient, aux conséquences de la catastrophe sur la zone. Je trouvais que c’était très important d’en parler. A ce moment-là, tout le monde s’intéressait à son nombril… à Tokyo, est-ce qu’on allait être irradiés ?… et non aux gens qui en souffraient le plus.
TF : Finalement, l’idée de départ n’a pas tellement changé. Je voulais parler des gens et des lieux et non de l’effet à Tokyo. Des habitants touchés et impliqués dans l’accident. Et je ne voulais surtout pas parler de l’accident de la centrale en lui-même. On ne pouvait et on ne peut que faire des suppositions même maintenant donc ça ne valait pas la peine. C’est aux scientifiques de faire ce genre de documentaires. Approcher des scientifiques sur le sujet serait un autre film. Un film sur les scientifiques en fait. Les médias japonais avaient presque tendance à ignorer les habitants de la région.

NM : Est-ce pour cette raison que vous pensez que votre film est différent de tout ce qui a déjà été montré ?
TF : La réaction des gens qui ont vu le film est claire : ils ont trouvé le film différent de ce qui existe déjà.
NM : Pourquoi avoir voulu montrer les choses différemment alors ?
TF : J’ai voulu exprimer mon point de vue sans me compromettre avec des normes ou des représentations politiques sur le sujet.
NM : C’est justement ce qui nous a frappé. Ce n’est pas un film politiquement engagé et pourtant très engagé dans ce qu’il montre.
TF : D’ailleurs, avant de me lancer dans le projet, au moment où je rédigeais ce fameux texte, je pensais à une co-production internationale car si je restais dans le contexte japonais ou dans un contexte commercial pour produire le film, il aurait fallu faire un film politiquement engagé afin de cibler un public comme par exemple des groupes anti nucléaires japonais.

NM : Mais comment avez-vous présenté votre projet ? Comment l’aventure a commencé ?
TF : Grâce à internet.
NM : Ah bon ?
TF : Oui oui, Facebook !
VAC : On se connaissait de loin, on était amis sur Facebook où j’ai découvert son texte. J’ai aussi vu Jean-Michel Frodon (NDLR : Jean-Michel Frodon est historien du cinéma et travaille sur Slate.fr) à qui j’ai parlé du projet et on s’est lancés dans l’aventure.

NM : C’est la raison pour laquelle le film est une production française ?
VAC : Etant une jeune productrice française, même si je vis au Japon, il était plus simple pour moi d’aller chercher dans mes réseaux en France. (NDLR : Valérie-Anne Christen est responsable d’UniFrance Japon.) De plus, les aides publiques à la production sont intéressantes à prendre même si pour le moment on n’a pas un centime. Nous n’avons ni subvention française ni subvention japonaise pour le moment. Nous sommes donc à la recherche de subventions et nous présentons le film dans les festivals. (NDLR : Après la présentation au Filmex à Tokyo en 2011, No Man’s Zone a été présenté au 62e festival international du film de Berlin)
NM : Le texte du projet avait été rédigé en anglais pour essayer de toucher le plus de monde possible ?
TF : Oui et parce que je cherchais une co-production internationale.
NM : Car la voix off du film est en anglais. Pour quelle raison ?
TF : Pour ne pas tomber dans le contexte socio-politique japonais en le faisant en japonais, pour ne pas tomber dans la facilité en utilisant ma propre langue pour critiquer Tepco et le gouvernement par exemple. Car avec un film en japonais pour chercher des producteurs japonais, il m’aurait fallu être critique, tomber dans une contrainte politique qui ne m’intéresse pas. Le texte de la voix off a été écrit au moment du montage.
NM : Pourquoi le choix d’une voix off alors ?
TF : Je dirai qu’elle donne une dimension narrative au film, un niveau supplémentaire. C’est quand on a tourné la scène à la fin du film, la scène avec les treize Bouddhas gravés sur la pierre. Il m’a semblé que c’était mieux de l’expliquer car tout le monde ne connaît pas sa symbolique. Cela montre le rapport entre le visible et l’invisible ainsi que les croyances animistes japonaises… Tout est concentré là-dedans et je savais qu’on pourrait développer des pensées un peu philosophiques et abstraites au lieu d’avoir une voix off qui ne fait que décrire ce qu’on voit. Une chose qu’il faut éviter au cinéma à mon sens. Le processus a été dur et j’ai écrit le texte une semaine avant le montage final.
Le choix de la personne fut important aussi. Nous avons pris une actrice arménienne qui est aussi libanaise et canadienne dont les langues maternelles sont l’arabe, le français et l’arménien et elle parle anglais donc le mélange est idéal plutôt que d’avoir une actrice française qui aurait donné une nationalité très précise. (NDLR : Arsinée Khanjian est actrice et productrice et femme d’Atom Egoyan qui est au générique de No Man’s Zone.) Cela nous a permis de sortir de tout contexte… surtout du contexte colonialiste dont l’image perdure encore aujourd’hui. Là, on a une voix complètement universelle d’une exilée. De plus, elle a une voix très douce et donc, si j’avais voulu être critique, cela aurait pu passer. Avec Arsinée, j’avais une voix indépendante. Si j’avais fait la voix off moi-même, ça devenait un film avec mon expérience personnelle. Cela aurait été vu comme quelque chose de fermé, comme le film d’un mec qui raconte son voyage. Avec une actrice comme Arsinée, ça devient ouvert et comme c’est en anglais, ça parle à tout le monde.
NM : Et bien pour quelqu’un qui dit qu’il ne fait pas un film engagé…
TF : Bien sûr. Surtout vis-à-vis de moi-même. (rires)

Ambiance 8 et 16-bits avec deux soirées-concerts par 2080. Tous les anciens joueurs de consoles Sega ou Nintendo se précipiteront pour aller l’écouter au M Event space & bar le vendredi 10 février ou à la Brasserie de l’Institut le samedi 11 février. Fun assuré ! Ce même jour à l’Institut, Ankama sera présent pour une conférence à partir de 16h.

AntiVJ, c’est quelques personnes qui se sont retrouvées autour d’un même concept sur la vidéo-projection. Cherchant à aller plus loin que le cadre un peu fermé du VJ, ils se sont pris par les coudes pour sortir des clubs, à la recherche d’endroits pour poser leurs projecteurs, que ce soit sur des objets de la ville ou des installations entièrement conçues par eux. Dans le cadre du festival du Mois du numérique, ils montent une « pièce » pour l’institut français de Tokyo du mercredi 8 au 24 février 2012, tous les soirs sauf le dimanche. Un vrai projet de vidéo mapping à Tokyo, ça faisait un moment qu’on voulait voir ça à Neon et qu’on voulait rencontrer les artistes.
Ce jour-là, en pleine préparation, ils étaient quatre pour représenter AntiVJ : Nicolas Boritch, Simon Geilfus, Romain Tardy et Thomas Vaquié. Rencontre.

Neon magazine : AntiVJ, c’est quoi ?
Nicolas Boritch : On définit le groupe en tant que « label visuel », comme un label de musique mais du coup, visuel. Il y a donc des artistes visuels qui sont au nombre de 5 (Simon Geilfus, Romain Tardy (NDLR : présents lors de l’interview), Yannick Jacquet, Joanie Lemercier et Olivier Ratsi (NDLR : qui ne sont pas venus au Japon). Pour faire court, le label a démarré en 2007. À l’initiative de Joannie Lemercier qui avec Romain, Yannick et Olivier cherchaient à tirer les projections, à les sortir de l’écran.
Romain Tardy : On était tous VJ à la base déjà. On ne se connaissait pas vraiment si ce n’est pas internet, via des forums etc. Et c’est Joanie qui a donné cette impulsion de faire en sorte qu’on se rencontre car avec Nicolas, ils organisaient des soirées à Bristol en Angleterre avec un artiste ou un groupe visuel invité et des DJs. On se retrouvait dans ces soirées et ça été le point de départ.
NB : Oui, le lien, c’était ça en fait. Le point de départ du label, c’était les quelques projets de ces personnes-là et on avait ces points communs d’utiliser de la vidéo projection, d’être VJ mais on en avait un peu marre du format et du contexte dans lequel évoluait les VJs, un cadre contraignant : une image carrée, plate sur un écran, derrière un DJ, dans un club… un cadre qui restreint ce que tu peux faire. Du coup, surtout Yannick, Joanie et Romain ont commencé à faire des installations avec le vidéoprojecteur qui projetait des choses sur des objets en volume, des structures assez simples ou avec des matières transparentes comme des tissus pour Yannick. C’est le point de rassemblement qui est toujours au cœur du label : utiliser les projecteurs dans l’espace qui nous entoure.
RT : Il y a aussi la volonté d’abolir la frontière entre la vidéo et la lumière. Le projecteur devient une source de lumière et non un simple objet, un simple vidéoprojecteur. L’idée générale du vidéoprojecteur est de projeter un film ou quelque chose sur une surface. Là, on utilise cet outil là pour finalement projeter de la lumière qu’à certains endroits. Nous, on utilise cette technique pour augmenter des objets, avoir un contenu qui soit en relation avec le volume, avec l’objet et pas un simple contenu plat.

NM : On voit aussi dans votre travail les gens se déplacer à l’intérieur de la lumière.
RT : C’est ça !
NB : Oui, l’immersion. C’est toujours dans la même idée de projeter dans l’espace autour de nous plutôt que d’avoir des choses uniquement frontales. On a décliné ça à travers des projets sur différents types de formats. On travaille sur trois types de formats. Les projections architecturales, un « mapping » sur un bâtiment, les installations audiovisuelles présentées dans des galeries, des festivals et les performances audiovisuelles, les lives comme par exemple une collaboration de Simon avec Murcof (NDLR : voir la photo et les vidéos en page 2) qu’on développe depuis presque deux ans maintenant. On a aussi des scénographes où là on construit une scène qui devient un support de projection.

Retour des party snaps sur Neon magazine et retour au M en ce début d’année 2012.
Pré-event du mois du numérique qui commence la semaine prochaine, nous étions au M ce samedi soir pour voir Amano Takeru, Pokara de l’équipe « Seed » et écouter quelques lives au programme avec notre ami hajimeinoue et Artlism.jp et un show de Coppe de Mango Sweet Rice ou encore des créations de Glmn.
Neon profite aussi de cette occasion pour débuter une nouvelle collaboration avec Bruce, notre party reporter.

Petit aperçu de la soirée. Photos by Bruce.

En préparation du festival Mois du numérique, nos amis du M organisent une soirée au le samedi 2 février à partir de 20h avec entre autre notre ami DJ hajimeinoue. Et qui sait, on aura peut-être des surprises en ce qui concerne les VJ… Joignez- vous à nous !

Neon magazine est partenaire du Mois du numérique à l’Institut français de Tokyo.
Du 8 février au 7 mars, petit état des lieux technologique du monde numérique via différents artistes comme Grégory Chantonsky qui travaille sur l’empreinte digitale, David Guez qui nous questionne sur nos messages digitaux, Anti VJ qui illuminera le bâtiment de l’Institut via un dispositif de vidéo mapping, Alain Renk qui présentera son application pour la ville via l’iPad ainsi que plein d’autres encore.
Le festival Hors Piste Tokyo fera un pre-event le 25 février et bien sûr, nous y serons. Il y aura aussi une installation de jeux d’arcade dans la galerie, plongeon fun et nostalgique.
Pour plus de détails, voir la page du site de l’Institut ou bien télécharger le programme en pdf.

Crédit photo : Anti VJ – installation MURCOF + ANTIVJ

En ce 29 décembre 2011, l’équipe de Neon magazine s’en va prendre quelques jours de vacances jusqu’au 9 janvier 2012.
En attendant la reprise, nous vous souhaitons à tous une très belle année 2012, pleine de créativité et de nouveaux challenges.

Très intrigué par les clichés de la dernière collection d’Aguri Sagimori, Neon magazine est allé à la rencontre des deux artistes pour en savoir un peu plus sur leur collaboration. Ils nous ont reçu dans un showroom à Ebisu où nous avons pu discuter autour d’une table, des guimauves enrobées de chocolat et les photos de la collection devant nous.

Sur son site, Aguri Sagimori présente sa collection Animisic ainsi :

Animisic est animal, animé, animation, musique.
Les images de la situation dansent avec un animal en étant mélangé. Je veux créer des choses que je peux ressentir directement en moi. Des choses qui ne nécessitent pas d’explications avec de longues phrases et non des choses auxquelles je pense de façon désordonnée.
Excepté la critique, la colère ou ce qui y ressemble, je rejoins tout ce qui m’est cher.
Ce que je fais est centré à partir de la communication avec les êtres humains puis je crée. Cependant, je l’ai mélangé avec l’existence contre laquelle je me blottis de manière plus plate cette fois-ci.
Vous êtes dominé par les mots si vous les admirez trop.

Vous trouverez des photos de la collection en bas d’article.

Neon magazine : Animisic mélange « animal », « animation », « musique »…
Aguri Sagimori : Oui, c’est ça.

NM : Pourquoi des photos cette fois-ci ? (NDLR : la dernière collaboration entre eux avait conduit à la vidéo naquid.)
Mote Sinabel : Nous n’avons pas eu assez de temps. Et le budget était plus limité aussi. Nous voulions faire une vidéo et c’est d’abord à la vidéo que nous pensions en fait.

NM : Comment votre collaboration a-t-elle commencé ?
AS : Au départ, je voulais faire une vidéo. Et il y a trois ou quatre saisons, Etsuko Meaux m’a montré plusieurs travaux dont celui de Mote. Je suis devenue fan !
MS : Oui, c’est Eiko Saeki et Etsuko Meaux qui nous ont présenté l’un à l’autre puisqu’elles travaillaient chacune avec l’un de nous. (NDLR : Saeki san et Meaux san travaillent comme relations publiques pour la mode.) Aguri et moi nous sommes rencontrés longuement à Paris. Aguri avait donc déjà vu mon travail avant ce premier rendez-vous.

NM : Et vous, connaissiez-vous le travail d’Aguri auparavant ?
MS : Non. Comme je suis basé à Paris, je ne connaissais pas encore son travail.

NM : Comment s’est passée la collaboration pour Animisic ?
MS : Aguri et moi, on se comprend très bien. Il y a une excellente connexion entre nous.
AS : Mote peut faire beaucoup de choses : de la vidéo, de la photo… mais l’idée de départ était de revenir à des ustensiles moins sophistiqués, des techniques non numériques, ce qu’il a accepté sans problème. Et nous nous sommes stimulés l’un et l’autre. Les dessins sont vraiment beaux et il a fait cela en deux heures !
NM : Vous avez peint sur un mur ?
MS : Non, non, sur un papier noir posé sur le sol. Comme elle mentionne les animaux dans le nom de sa collection, j’ai fait des dessins qui se rapprochent des animaux avec un contraste noir et blanc.
AS : Ensuite, nous avons fait les photos ici à Tokyo, avant la présentation de la collection à Paris.
MS : J’ai fait les dessins et les photos le matin même et je suis rentré sur Paris ce jour-là !

NM : Aguri, qu’est-ce que vous aimez dans le travail de Mote ?
AS : Il y a plein de choses en fait… (elle réfléchit) J’aime tout en fait ! (rires) Le côté sombre qui me correspond… mais c’est plutôt notre travail ensemble. Il suffit que je dise vaguement ce que je veux et Mote comprend tout de suite. Ca marche tout de suite. De plus, on se complète. Des choses auxquelles je n’ai pas pensé viennent de Mote parce qu’il comprend très bien mon travail. Quand il prend les modèles en main, ce qu’il produit correspond exactement à ce que je voulais faire sans même que j’ai à l’expliquer longuement.
MS : Sur mon site internet, on voit que mes premiers travaux sont effectivement assez sombres. Mais pour moi, c’est plus du zen, plus pointu. Et c’est justement cela qu’on partage tous les deux. Dès qu’elle dit quelque chose, paf, je comprends aussitôt et je peux le développer pour elle. Quand je travaille avec quelqu’un, je suis inspiré par ce qu’il ou elle fait et je peux me projeter dans ce que souhaite cette personne. Pour moi, la sensibilité est importante pour obtenir un résultat final intéressant. Et pour Aguri et moi, nos sensibilités sont justement très semblables.
NM : Et vous Mote, comment définissez-vous le travail d’Aguri ?
MS : (il réfléchit) De l’obscurité tordue. (rires) Même si pour moi, comme je le disais, ce n’est pas sombre, ce n’est pas négatif. Pour moi, c’est une image de tranquillité dans laquelle je peux sentir ce qui m’entoure.

NM : Quand on regarde naquid et quand on regarde animisic, on pense aux contraires comme par exemple les anges et les démons.
MS : Oui, oui. Noir et blanc. L’ombre et la lumière. C’est une combinaison dans laquelle nous nous exprimons. Les deux vont ensemble.
AS : Oui et le nom de la collection mélange aussi les genres. Je pense qu’on aime bien ça tous les deux.
NM : Nous, ce qu’on aime, c’est la force qui se dégage des clichés et aussi, il ne s’agit pas de clichés de mode traditionnels.

NM : Alors Aguri, vous avez réussi votre rêve : faire un défilé à Paris. (NDLR : voir notre article précédent) Comment ça s’est passé ?
AS : Je suis très heureuse bien sûr, le nombres de magasins a augmenté aussi mais pour les affaires, c’est plus dur. Qui plus est, le yen est très haut en ce moment. Donc pour le business, c’est dur mais faire un défilé à Paris, c’était un rêve.

Deux samedis par mois, « Tokyo vu par… » c’est le regard d’une personnalité de l’art, du design ou de la culture sur la ville : ses quartiers, ses magasins, ses souvenirs aussi. Un regard sincère et personnel sur Tokyo et autant d’idées de promenades et de découvertes.
En cadeau de Noël pour Neon magazine, Karyn Poupée et Jean-Paul Nishi ont généreusement créé ce dessin.
Neon magazine en profite pour vous souhaiter un excellent Noël à vous tous qui nous lisez.

Karyn Poupée (vrai nom) est journaliste, correspondante permanente de l’Agence France-Presse (AFP) à Tokyo depuis 2005, ainsi que du magazine Le Point et de Radio Canada. Installée au Japon depuis une dizaine d’années après cinq ans de navette entre Paris et Tokyo, elle est aussi l’auteur de deux essais socio-historiques: Les Japonais (éditions Tallandier, prix Shibusawa Claudel 2009) et Histoire du manga (Tallandier). Cette « éternelle étudiante » ne songe pas une seconde retourner habiter en France, mais ne prétend pas non plus être devenue japonaise.

Jean-Paul Nishi : sous cet étrange nom de plume, ce dessinateur de manga japonais croque des anecdotes rapportées de séjours à Paris où il a notamment vécu en 2005, après avoir hésité plusieurs années avant de devenir mangaka professionnel. Il est l’auteur d’une série sur la vie (pas facile) d’un Japonais dans la capitale française, initialement publiée dans un magazine de manga féminin (Office you), puis en recueils (Paris no mayoikata, Paris aishiteruze). De nouveaux épisodes, résultats de plusieurs autres brefs séjours, sont en préparation, à paraître en 2012. Parallèlement, Jean-Paul Nishi illustre chaque semaine de façon personnelle et décalée la chronique socio-technologique « Live Japon » publiée par Karyn Poupée sur le site français Clubic.

Neon magazine a rendu visite à Jin Kuramoto dans son studio.
Designer d’objets d’intérieur, l’homme a été récompensé pour son travail avec, notamment, les prix IF Design et Good Design. Il a fondé son propre studio en 2008 après avoir travaillé pendant 7 ans comme designer à partir de 2000. Ces rock vases étant sans doute sa création la plus connue, il a aussi réalisé des choses aussi diverses que des porte-manteaux, un service à thé, des chaises ou encore des lampes. (voir la galerie en bas de page.)
Cet homme sympathique nous a fait faire le tour de son endroit – où il est installé depuis 2010, juste à côté de la station Nakameguro – avant de répondre à quelques unes de nos questions. (Interview en page 2)
Jeune designer à la recherche d’un stage, rendez-vous en page 2 pour une petite annonce.

L’espace, séparé en deux par une longue bibliothèque, est constitué par la partie avec les bureaux et l’atelier de conception à gauche et la partie pour les clients à droite. La moitié de l’espace est consacrée aux réunions pour que les clients se sentent bien. Perché en haut d’un immeuble, la vue est exceptionnelle et l’orientation est-ouest apporte beaucoup de lumière.
Les prototypes sont fabriqués ici même, côté bureaux, principalement à partir d’une mousse bleue taillée.

La bibliothèque, centre névralgique de l’endroit, fourmille de livres de designers appréciés par Jin. Comme la table de réunion, Jin l’a dessinée et construite lui-même. Sur le dessus, on trouve de multiples maquettes de produits réalisés par le designer, des échantillons de matériaux pour donner une aperçu aux clients ainsi que des objets qu’il affectionne. Les livres et magazines qu’on y trouve servent de source d’inspiration aux visiteurs.

L’équipe est composée de trois personnes : Yui, 23 ans, assistante designer, Jin Kuramoto, 35 ans et Katsu Nakano, concepteur designer, 30 ans.